Films cultes du festival de Cannes : La sélection Splashed!

Gilda de Charles Vidor a été présenté en compétition au Festival de Cannes 1946. Rita Hayworth dans Gilda, c’est une entrée dans l’histoire du cinéma avec un simple mouvement de cheveux. Certains films ont besoin de vingt minutes pour installer leur personnage. Là, trois secondes suffisent à comprendre que la température de la pièce vient de monter sans prévenir EDF. Le Festival a rappelé en 2024 que Gilda, présenté en compétition en 1946, reste un film emblématique de Columbia Pictures. En version Splashed!, Gilda est une évidence : noir, glamour, tension, regard, élégance dangereuse.

Les Enchaînés, titre original Notorious, d’Alfred Hitchcock, a été présenté en compétition au Festival de Cannes 1946. Hitchcock, c’est le type capable de transformer une clé, un verre de lait ou un regard trop long en arme psychologique. Dans Les Enchaînés, il y a de l’espionnage, de l’amour toxique, du poison, Ingrid Bergman, Cary Grant, et cette sensation que chaque personnage sait quelque chose qu’il ne dira pas tout de suite parce que sinon le film serait beaucoup trop court. Dans une sélection de Films cultes du festival de Cannes, ce titre apporte une touche plus classique et plus feutrée. Pas besoin d’explosion. Hitchcock sait déjà faire exploser une scène avec un silence et un gros plan.

The Country Girl de George Seaton a été présenté en compétition au Festival de Cannes 1955. Ici, on est dans un registre moins pop, plus Hollywood dramatique. Grace Kelly, avant Monaco, avant la mythologie princière, avant que la Côte d’Azur ne fasse d’elle une icône encore plus radioactive en élégance. Mini-angle cannois pratique : Cannes, Grace Kelly, Monaco, prestige, cinéma classique… Le raccord est tellement propre qu’on dirait qu’un attaché de presse l’a repassé à la vapeur.

La Dolce Vita de Federico Fellini a remporté la Palme d’or 1960, remise à l’unanimité. Là, Cannes sort la grande classe italienne. Rome, Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, la fontaine de Trevi, les flashs, les soirées, les visages fatigués d’avoir trop vécu et pas assez dormi. La Dolce Vita, c’est le glamour avec une gueule de lendemain matin philosophique. Mini-anecdote utile pour briller sans sortir un PowerPoint : le mot “paparazzi” vient du personnage Paparazzo dans le film. Donc oui, quelque part, tous les photographes qui hurlent sur le tapis rouge doivent un petit merci historique à Fellini. Le cinéma a parfois le sens de l’ironie.

Autant en emporte le vent a été projeté hors compétition comme film d’ouverture du Festival de Cannes 1968. Et Cannes 1968, ce n’est pas exactement «ambiance petits fours et tout va bien». Le site officiel rappelle que l’édition s’ouvre avec une copie restaurée du film de Victor Fleming avant que le Festival ne bascule dans le contexte de contestation de Mai 68. Mini-anecdote : difficile de faire plus grand écart. D’un côté, une fresque hollywoodienne monumentale. De l’autre, la France qui entre dans une zone de turbulences sociales. Le tapis rouge avait intérêt à être bien fixé.

Sailor et Lula, titre original Wild at Heart, de David Lynch, a remporté la Palme d’or 1990 après sa présentation en compétition. David Lynch à Cannes, c’est comme inviter un rêve fiévreux à une réception officielle : tout le monde sourit, mais personne ne sait exactement de quelle planète vient l’ovni. Sailor et Lula, c’est un road movie amoureux, violent, électrique, avec Nicolas Cage en Elvis de station-service métaphysique et Laura Dern en ouragan sentimental. Cette Palme d’or des films cultes du festival de Cannes dit quelque chose de cette compétition : parfois, le Festival ne récompense pas le film le plus sage. Il récompense celui qui met des flammes sur le tapis et qui repart en laissant une odeur d’essence dans les fauteuils.

Cry Baby de John Waters a été présenté en séances spéciales à Cannes en 1990. John Waters à Cannes, c’est une collision parfaite : d’un côté, le prestige institutionnel ; de l’autre, le mauvais goût revendiqué, les blousons, le rockabilly, Johnny Depp et cette manière très sérieuse de ne surtout pas être respectable. Cry Baby, c’est le film qui arrive avec une banane capillaire juridiquement instable et une envie claire de salir les rideaux. Il ne veut pas être élégant. Il veut être culte. Et parfois, c’est beaucoup plus intéressant.

Pulp Fiction de Quentin Tarantino a été présenté en compétition à Cannes et a remporté la Palme d’or 1994. Pulp Fiction, c’est le film qui a prouvé qu’on pouvait ouvrir une valise sans jamais savoir ce qu’il y a dedans et nettoyer une banquette arrière en sang tout en repartant avec la Palme d’or. Le cinéma, parfois, c’est très sérieux dans sa manière de ne pas l’être. À Cannes, ce genre de film fait toujours un peu trembler les nappes blanches. D’un côté, tu as le prestige. De l’autre, tu as Tarantino qui arrive avec ses gangsters bavards, sa violence sèche, ses dialogues qui partent dans tous les sens et sa structure narrative en puzzle tombé du camion. Résultat : le film entre dans l’histoire. En tableau Splashed!, Pulp Fiction est un candidat naturel. Il a tout : l’icône, la pose, le rythme et le côté cool mais dangereux.

Mulholland Drive de David Lynch a été présenté en compétition à Cannes en 2001 et a reçu le Prix de la mise en scène ex æquo avec The Barber des frères Joel Coen et Ethan Coen. Le Festival décrit le film comme une histoire d’amour dans la cité des rêves. C’est joliment dit. C’est aussi une manière très civilisée d’éviter d’écrire : «Bon courage pour expliquer ce que tu viens de voir à quelqu’un qui demande une réponse simple.» Mulholland Drive, c’est Hollywood vu par un cerveau qui aurait oublié de ranger ses cauchemars dans le bon tiroir. Il y a des actrices, du désir, des doubles, des clés, une boîte bleue et cette sensation très particulière que le film te regarde autant que tu le visionnes.

Moulin Rouge de Baz Luhrmann a été présenté en compétition en 2001 et a aussi été film d’ouverture du Festival de Cannes. Là, Cannes n’ouvre pas juste une édition. Cannes ouvre une boîte de confettis sous amphétamines. Moulin Rouge, c’est un des films cultes du festival de Cannes qui entre dans une pièce en chantant trop fort, avec des rideaux rouges, des plumes, des chansons pop, des regards humides et un sens très personnel de la discrétion : aucun. Ce film est presque l’inverse d’un mur blanc. Il refuse le calme. Il refuse le beige. Il refuse la petite déco timide qui demande pardon d’exister. C’est du cabaret, du mélodrame, du grand spectacle, du cœur qui fait des claquettes avec des chaussures trop brillantes.

Orange mécanique de Stanley Kubrick a été présenté à Cannes Classics 2011 en hommage. Certains films deviennent cultes parce qu’ils sont aimés. D’autres parce qu’ils restent coincés dans la tête comme une alarme avec un design impeccable. Orange mécanique est de cette famille-là : immédiatement reconnaissable, impossible à confondre, parfaitement inconfortable. Le chapeau melon, le regard, le blanc clinique, la violence stylisée : Kubrick fabrique une image qui a l’air d’avoir été conçue pour hanter les murs. Ce qui, pour Splashed!, est évidemment une invitation difficile à refuser. Je le revisite comme une icône graphique sous tension. Pas pour faire joli gentiment. Pour installer une présence. Un tableau qui ne demande pas «est-ce que je vais bien avec ton intérieur ?» mais plutôt «est-ce que ton intérieur est prêt à me supporter ?»

Les Dents de la mer, ou Jaws, a été présenté à Cannes Classics 2012 en copies restaurées. Le film de Steven Spielberg est rapidement devenu un phénomène culturel et a fixé une nouvelle norme pour le suspense. Ce film a traumatisé des générations avec une idée très simple : on ne voit presque rien, donc on imagine tout. Résultat : la mer devient suspecte, la baignoire devient discutable et même une piscine hors-sol peut prendre des airs de zone hostile. Dans les Films cultes du festival de Cannes, Les Dents de la mer occupe une place parfaite côté patrimoine pop. Cannes Classics ne le ressort pas comme une vieille relique poussiéreuse, mais comme une machine à tension qui fonctionne encore beaucoup trop bien.

Belle de jour de Luis Buñuel a été présenté à Cannes Classics 2017 en copie restaurée. Buñuel, c’est le cinéaste qui regarde la bourgeoisie comme un chat regarde une nappe propre : avec calme, intelligence et une forte possibilité de catastrophe. Belle de jour est élégant, froid, troublant, parfaitement contrôlé, mais avec quelque chose qui gratte sous le vernis. Catherine Deneuve y devient une figure de cinéma immédiatement reconnaissable : beauté distante, mystère, malaise chic. Pas besoin d’en faire des tonnes. Le film travaille à basse température, mais il marque profondément.

Grease a été projeté au Cinéma de la Plage à Cannes en 2018. Le Festival annonçait une séance événement avec la présence prévue du réalisateur Randal Kleiser et de John Travolta. Cannes, parfois, c’est la compétition, les prix, les débats. Et parfois, c’est une plage, une projection sous les étoiles, une bande-son impossible à sortir de la tête et des gens qui résistent très mal à l’envie de bouger les épaules. Grease, c’est un film qui a réussi à faire croire à plusieurs générations qu’un problème sentimental pouvait se résoudre avec une chorégraphie, une veste en cuir et une voiture brillante. Ce n’est pas forcément un conseil de vie, mais cinématographiquement, ça fonctionne.

Le Silence des agneaux a été présenté au Cinéma de la Plage à Cannes en 2018. Le Festival le décrit comme un classique du septième art et rappelle sa projection dans ce cadre. Alors oui, «Hannibal Lecter sur la plage», dit comme ça, on dirait une mauvaise idée de pique-nique. Mais Cannes aime aussi ça : remettre des classiques dans un contexte inattendu. Le sable, la mer, les étoiles, et un cannibale cultivé qui te donne soudain beaucoup moins envie de commander des fèves. Ce film a une puissance visuelle rare : le regard, le face-à-face, la tension clinique, la peur polie. Rien ne hurle en permanence. Tout murmure très près de ton oreille, ce qui est souvent pire.

Shining de Stanley Kubrick a été présenté à Cannes Classics 2019 en copie restaurée. Peu de films ont réussi à rendre une moquette, un couloir, une machine à écrire et une porte de salle de bain aussi inquiétants. Shining, c’est la preuve qu’un décor peut devenir un personnage. Un personnage qui n’a pas franchement envie de t’aider à dormir. Cannes Classics le ressort comme ce qu’il est : un monument de cinéma qui continue de fonctionner, même si tout le monde connaît déjà certaines images. C’est ça, le film culte : tu sais ce qui arrive, et pourtant ton cerveau se remet en position «alerte rouge». En tableau Splashed!, Shining est un terrain de jeu idéal. Couleur, visage, folie, architecture mentale, malaise. Tu l’accroches, et ton mur prend immédiatement deux degrés de tension psychologique. Pratique pour éviter que les invités restent trop longtemps.

À bout de souffle de Jean-Luc Godard a été présenté à Cannes Classics 2020, en hommage, comme premier film. À bout de souffle, c’est le film qui donne l’impression que le cinéma français a cassé sa chaise, jeté son manuel par la fenêtre et décidé de courir dans Paris avec une cigarette, un regard insolent et un montage qui claque des doigts. Belmondo, Jean Seberg, Paris, cavale, insolence : tout est là. Pas besoin de décor gigantesque. Le film avance comme s’il venait d’inventer sa propre façon de marcher.

Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain a été présenté au Cinéma de la Plage 2021 en copies restaurées. Le Festival évoque aussi Paris, Montmartre, les nains de jardin, Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Jamel Debbouze et l’hommage au cinéma français des années 40. Amélie Poulain, c’est le film qui a transformé Montmartre en planète parallèle où les couleurs sont plus chaudes, les voisins plus étranges et les petits gestes du quotidien presque suspects de poésie. C’est mignon, oui. Mais pas mou. Il y a une vraie mécanique visuelle, une identité forte, une façon de rendre le réel plus stylisé qu’un rayon de confitures artisanales.

Chantons sous la pluie a été présenté en version restaurée 4K à Cannes Classics 2022. Le Festival rappelle que le film raconte le passage du cinéma muet au cinéma parlant. Il faut quand même respecter un film capable de rendre une averse plus élégante qu’un photocall officiel. Gene Kelly danse sous la pluie avec plus de dignité que la plupart des gens quand ils essaient d’ouvrir un parapluie dans le vent. Ce classique apporte une respiration dans la sélection. Après les requins, les tueurs, les cauchemars d’hôtel et les gangsters bavards, un peu de pluie chantée ne fait pas de mal. Surtout si elle est chorégraphiée.